Roma continua ad arricchire la propria geografia dell’arte contemporanea con un nuovo spazio espositivo. L’Accademia Nazionale di San Luca ETS ha inaugurato RIPENSE, in via Ripense 6, nel cuore di Trastevere, aprendo il nuovo centro con una mostra dedicata a Julian Beck, figura fondamentale del Living Theatre.

Con questa iniziativa l’Accademia amplia la propria attività culturale recuperando un edificio acquistato dalla Fondazione Toti Scialoja come futura sede. Venuto meno quel progetto, l’Accademia ne ha assunto la gestione, trasformandolo in un luogo destinato alla produzione e alla diffusione della cultura contemporanea.

Il nuovo spazio conserva il fascino della sua originaria destinazione industriale. Un tempo deposito e magazzino all’ingrosso di profilati ferrosi e metalli, RIPENSE si sviluppa su circa 400 metri quadrati caratterizzati da soffitti molto alti, grandi campate libere e travi d’acciaio a vista, elementi architettonici che ne preservano l’identità e offrono una scenografia ideale per le arti contemporanee.

La mostra inaugurale dedica a Julian Beck una quarantina di opere tra dipinti e disegni realizzati tra il 1944 e il 1958, affiancati da fotografie, manifesti, bozzetti, costumi di scena, materiali d’archivio, inviti, videoproiezioni e documenti provenienti dall’Archivio Living Theatre.

Il percorso espositivo restituisce la complessità della ricerca di Beck, nella quale pittura, teatro, parola e vita diventano un unico linguaggio. Emblematico è il grande fondale dipinto nel 1982 per The Yellow Methuselah, lungo settanta metri e ispirato all’astrazione di Kandinskij e Pollock. Non un semplice elemento scenografico, ma una pittura che invade lo spazio teatrale, dialoga con gli attori e trasforma la rappresentazione in un’esperienza immersiva.

L’apertura di RIPENSE rappresenta un ulteriore tassello della crescita culturale della Capitale. Negli ultimi anni Roma ha visto nascere o trasformarsi numerosi spazi dedicati all’arte contemporanea: dai “transiti” dell’Accademia di Belle Arti di Roma, trasformati in luoghi espositivi, agli spazi dell’ex Mattatoio, fino al recupero dell’ex Arsenale Pontificio di Porta Portese, destinato a diventare la nuova sede della Fondazione Quadriennale con aree espositive, laboratori e uffici.

In realtà, l’idea di fare dell’area di Porta Portese un grande polo della cultura contemporanea affonda le proprie radici nel tempo. Già nel 2006 l’Amministrazione Capitolina aveva immaginato di realizzare un grande centro culturale all’interno dell’ex hangar di via delle Mura Portuensi, la struttura che, secondo una consolidata tradizione, Adolf Hitler donò a Benito Mussolini. L’edificio, a pochi passi dall’ex Arsenale Pontificio, avrebbe dovuto diventare uno dei principali luoghi della creatività romana, ma il progetto non ebbe seguito. Ancora prima, durante un incontro promosso in Campidoglio da Manuela Crescentini e Ivana Della Portella con artisti e operatori culturali, era stata avanzata anche la proposta di istituire un’Agenzia per le Arti, capace di coordinare i diversi settori della cultura e di rendere più trasparenti i criteri di accesso alle opportunità pubbliche, superando favoritismi e frammentazioni. Idee rimaste sulla carta, ma che dimostrano come il dibattito sulla governance dell’arte contemporanea accompagni Roma da molti anni.

È un fermento che non può che essere accolto con favore. Ogni nuovo spazio rappresenta una possibilità in più di incontro tra artisti e pubblico, un investimento sulla cultura e sulla qualità urbana.

Resta però una domanda che accompagna da sempre il sistema dell’arte contemporanea: chi potrà realmente esporre in questi luoghi?

Nella maggior parte dei casi, le opportunità sono destinate ad artisti già affermati, a coloro che fanno parte delle reti accademiche, a studenti ed ex studenti delle istituzioni promotrici oppure a chi può contare sul sostegno di gallerie, curatori e relazioni consolidate. È una dinamica comprensibile, ma che rischia di lasciare ai margini una vasta comunità di artisti che lavora con continuità senza avere accesso ai circuiti istituzionali.

Per molti di loro rimangono la strada, gli spazi autogestiti o iniziative occasionali, mentre il sistema pubblico continua a dialogare quasi esclusivamente con chi è già riconosciuto.

In questo scenario assume particolare interesse la nomina di Costantino D’Orazio a Direttore Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Il suo incarico è strategico: coordinare le politiche nazionali dedicate all’arte contemporanea, all’architettura, al design, alla fotografia, alla moda e, più in generale, alle industrie culturali e creative.

D’Orazio appartiene a una generazione diversa da quella della critica militante. È conosciuto dal grande pubblico per la sua intensa attività divulgativa in televisione, alla radio e attraverso i libri, con i quali ha saputo raccontare il patrimonio artistico italiano con un linguaggio accessibile. Oggi, però, la sfida cambia profondamente. Non si tratta più soltanto di spiegare l’arte già consacrata dalla storia, ma di contribuire a creare le condizioni affinché l’arte di oggi trovi spazio, pubblico e riconoscimento.

La domanda, allora, è inevitabile: il nuovo Direttore Generale si limiterà a valorizzare i circuiti già consolidati oppure avrà il coraggio di andare a cercare anche quegli artisti che operano lontano dai riflettori? Non soltanto i giovani talenti, giustamente sostenuti, ma anche quei tanti “maturi dell’arte” che hanno costruito percorsi rigorosi, spesso in silenzio, senza le relazioni necessarie per entrare nei luoghi istituzionali.

Perché una politica della creatività veramente contemporanea non dovrebbe limitarsi ad aprire nuovi spazi. Dovrebbe soprattutto aprire nuove opportunità.

Altrimenti il rischio è che cresca l’architettura dell’arte, ma non la comunità degli artisti che può realmente abitarla.

Fino al 18 settembre 2026 la Sala 1 – Centro Internazionale d’Arte Contemporanea di Roma (rimarrà chiusa per la pausa estiva dall’8 al 24 agosto 2026) ospita Ephemera. Of the very same fabric, mostra dedicata a Giulia Lanza, a cura di Mattia Cleri Polidori e accompagnata da un testo critico di Fabrizio Crisafulli. L’esposizione restituisce con ampiezza e sensibilità una ricerca artistica tanto breve quanto intensa, offrendo l’occasione di rileggere un percorso che, sebbene tragicamente interrotto, continua a rivelare una sorprendente maturità linguistica.

Dopo la presentazione dello scorso luglio è doveroso tornare su Giulia Lanza, giovane artista scomparsa prematuramente, la cui ricerca, interrotta quando era ancora agli inizi, lascia aperta una strada di straordinaria intensità che merita di essere percorsa e approfondita. Le opere riunite nella mostra Ephemera. Of the very same fabric testimoniano infatti un linguaggio già maturo, capace di trasformare materiali e tecniche in una riflessione poetica sul corpo, sul tempo e sulla memoria.

Osservando il suo lavoro si comprende come la parola più adatta a descriverlo non sia tanto leggerezza, quanto leggiadria. Sebbene abbiano una comune radice etimologica e vengano spesso confuse, le due qualità esprimono concetti profondamente diversi: la leggerezza riguarda l’assenza di peso, fisico o emotivo; la leggiadria è invece grazia, armonia, eleganza del gesto e della forma. È proprio questa grazia a permeare tutta la produzione di Giulia Lanza.

Emblematico è il modo in cui riesce a nobilitare un materiale umile e quasi invisibile come la spugna di luffa. Nelle sue mani essa perde ogni connotazione funzionale per trasformarsi in un merletto impalpabile, una trama delicatissima che dialoga con lo spazio e con l’aria. Le fibre sembrano dissolversi, sospese tra presenza e assenza, proprio come accade nei suoi disegni, dove sottilissimi filamenti di grafite costruiscono volti di giovani figure pensose che sembrano emergere dal foglio per poi svanire. Non è semplicemente una ricerca della leggerezza materiale, ma il raggiungimento di una qualità quasi spirituale della forma.

Lo stesso equilibrio percorre le opere in ceramica e le minute fusioni a cera persa. Frammenti, elementi preziosi e delicati vengono tenuti insieme da fili sottilissimi, quasi impercettibili, che non impongono una struttura ma suggeriscono relazioni. È un procedimento che trova una sorprendente corrispondenza nei disegni: anche qui un lieve tratto unisce la figura eterea alla parte inferiore del foglio, come un legame necessario con la terra, con l’origine, mentre tutto il resto tende verso una dimensione sospesa.

Nelle serie esposte – dai lavori di Ecdysis fino alle opere di Against my Broken Ribs Your Breast Like a Flower e Tegmen – il corpo si manifesta attraverso tracce, esuvie, involucri e membrane. Cera, organza, lattice, ceramica, argento, seta e ricamo convivono in un lessico che supera la distinzione tra arti maggiori e arti applicate, trasformando tecniche tradizionali come l’oreficeria, il merletto e il ricamo in strumenti di una ricerca profondamente contemporanea. La materia non viene mai ostentata per il suo valore, ma continuamente alleggerita fino a diventare segno, pelle, respiro.

La leggiadria di Giulia Lanza non coincide dunque con la fragilità. Al contrario, è una forma di resistenza. Le sue opere sembrano possedere appena il peso necessario per esistere, ma proprio questa apparente precarietà custodisce una sorprendente forza poetica. Ogni elemento è misurato, ogni vuoto è parte integrante della composizione, ogni filo che lega o ricuce diventa metafora di una continuità che sopravvive alla perdita.

La mostra Ephemera. Of the very same fabric, curata da Mattia Cleri Polidori con testo critico di Fabrizio Crisafulli, restituisce l’ampiezza di una ricerca che intreccia disegno, scultura, arte orafa e pratica tessile, offrendo una lettura organica di un percorso artistico che, pur interrotto dalla tragica scomparsa dell’autrice nel 2024, continua a parlare con sorprendente attualità.

Più che un omaggio, questa esposizione rappresenta un invito a proseguire idealmente il dialogo con un’artista che aveva individuato nella grazia della forma uno strumento di conoscenza. Perché la sua opera ci ricorda che la vera leggiadria non è un semplice attributo estetico: è il modo in cui la materia, senza perdere la propria consistenza, riesce a farsi pensiero.

Se l’articolo è destinato a una rivista d’arte, posso anche renderlo più critico e saggistico, eliminando le ripetizioni e rendendo il testo ancora più fluido.